Entrada destacada

Major Destroyer records presenta Vidaguerrilla. Vinilo 7 pulgadas.

viernes, 13 de noviembre de 2026

Hispania

 Es algo que fluctua. Una serie de bio-regiones que cambian de dueños, nombres, religiones y objetivos a lo largo de los siglos...siempre fue así...al parecer, sigue siendo. De los reinos taifas a las comunidades. De las provincias romanas al califato y al estado "monárquico parlamentario"...de coña...

Hispania líquida. Sería más lógico. El puto Bonaparte lo vió ¿seré el último afrancesado? ay!

martes, 10 de noviembre de 2026

El puto Zappa

 hizo tres canciones buenas, tocate lo que te cuelga:

- Willie el chulo

- Mi guitarra quiere matar a tu mama

- Peaches in regalia, porque poner solo dos quedaba feo

Hala, púdrete en rabia



sábado, 7 de noviembre de 2026

La simulación es real

Robao del blog Secret Sun:

"World War Three was on everyone’s mind back in 1983, and so it is that we’ve come full circle in forty-odd years. But while everyone was worried about the bomb, they weren’t worried about the beyond-thermonuclear effects that the technology that burst to light in 1983 would have on society and culture.

A lot of you may be too young to realize it, but the pre-war America you see in all these 1983 films has been annihilated, erased, wiped out more completely than any nuke could manage. 

In its place are once-great cities succumbing to fentanyl-fueled, zombified barbarism, foreign colonization, and the rebuilding of Babel as a 24-hour stripmall shitshow.

We’re already in the midst of an armageddon of another type, as the Techno-Feudalist hellscape that our illegitimate overlords have been engineering 
since (at least) 1983 bears down on us and the battle becomes not over Capitalism vs. Communism, but who will control the Luciferian technologies that control the world."

entrada completa y contenido de pago, aviso:
https://secretsun.blogspot.com/2026/11/how-long-have-we-been-in-simulation-for.html

miércoles, 4 de noviembre de 2026

Como sacar la musica del capitalismo?

Aviso: no puedes escapar del capitalismo en general, porque hablando sociológicamente, de momento es el sistema social-económico que nos controla, por imposición de los grandes capitalistas.

Lo que intento con esta entrada es buscar opciones para evitar que la ideología del "todo por la pasta" pervierta la creatividad y la libertad de la música.
Es decir, que tu vida como músico no esté supeditada a lo que te exige el dinero, la ideología consumista, la presión social de los que no saben/quieren ver más allá del ahogo del capitalismo

- Parte 1, un inciso aparentemente inconexo: ¿quién quiere ser músico ahora mismo? pasa a la parte 2 para lo otro:

Algo recurrente que veo en paginas para musicos es que muchos que buscan unirse a bandas avisan de que no quieren hacer conciertos, solo buscan disfrutar de tocar con otros, sin presiones.

Por qué pasa eso? porque tocar en directo es muy duro. Siempre ha sido un trabajo jodido: ensayar, aprender, gastar dinero en cacharros, sonar compactos, conseguir bolos, cargar cacharros y montar-desmontar, etc, etc. Además en los últimos 20 años, la profesión de músico ha empeorado muchísimo, tienes que trabajar más para ganar menos que antes. No es extraño que cada vez haya más músicos (o aspirantes) que no quieran hacer "bolos".

Pero sorpresa no encontrada, lo de "sin presiones" tampoco funciona. Si los musicos no tienen compromiso o motivación fuerte, no aparecerán.

Aparte, ha bajado mucho el nivel. Muchos de los que se abren un perfil en esas paginas no saben tocar. Ahora lo he normalizado por la cantidad de ejemplos que veo, pero pensandolo friamente ¿es logico que alguien que no sabe tocar un instrumento quiera unirse a un grupo?

Obviamente es mas divertido y se aprende mejor con otros, sobre todo si tus compañeros saben mas y tienen la paciencia y deferencia de enseñarte. Vamos, unas clases de musica gratis.

Luego estan los que se autodenominan "pro", seguramente pa evitar a los "sinpresion". Que dios me perdone, pero son casi mas insufribles y muy toxicos. Y ni siquiera consiguen profesionalizarse en la mayoria de casos.

Entiendo que hay al menos una tercera clase de musicos, que efectivamente son pros o lo intentan. O viven, o malviven, de tocar o no consideran otros empleos y trabajan en el medio porque tienen respaldo economico.

Siendo objetivo, en "provincias" no esta el negocio gordo. La mayoria de los musicos de esta tercera clase se van a Madrid o lo intentaron. Ahora hay varios que viven fuera de Madrid (esta imposible) pero viajan con frecuencia por todo el pais. 

De todas las regiones de España, Andalucia es la que menos negocio ofrece a los musicos en general y a los "raros" en particular.

No hablo de grupos de verbena, tributos o djs. Esos circuitos no me interesan, pero se que tampoco viven con desahogo.

Cherbuy, Cádiz
Lorenzo Cherbuy, Cádiz



















- Parte 2: La pregunta buena es ¿Que hacemos con la creatividad? Como sacar la musica del ahogo del capitalismo?

La respuesta obvia era autogestion, comunidad y "micromecenazgo": que tus seguidores compren tu musica y productos.

Eso implica que el musico sea dueño de sus canciones, sus derechos, gestione directamente sus productos y conciertos para maximizar los ingresos. Que trabaje como un mulo y que obviamente tenga un seguimiento.

Crear un seguimiento es una tarea de decadas, mucho trabajo continuado. En España este modelo esta desapareciendo. 

Ejemplos: algun grupo de Bcore como Aina. Los muertos de cristo, Sin dios, algunos sellos punkis noventeros como Potencial hardcore, Los de Alehop records que merecen un monumento. Los de Aerobitch y amigos...

En otras escenas claro que hay otros ejemplos, pero no los conozco. Tambien mi sesgo es "viejuno", quidisir, seguro que hay grupos jovenes haciendo grandes cosas ahora mismo.

 Pero riete del telon de acero: te traigo el "visillo viejo" o como podriamos definirlo, "la cuasi incapacidad termodinamica de interaccion intergeneracional efectiva".

B:
Otra posibilidad es abrazar la idea de "no bolos". Tocar solo por el placer de hacer música. Sin ánimo de enseñarla o ganar dinero. Sin ego, sin querer ser "la estrella", fugaz por supuesto.

He tenido muchas dudas con ese planteamiento. La música intrínsecamente es para compartirla. Pero tal como está la situación (de la música en directo) no es descabellado quedarse en el local. Esto a largo plazo puede incluso mejorar tus posibilidades de tocar: más toque da mejor sonido y mejores canciones, lo que aumenta el interés potencial por tu grupo.

Pero si no quieres salir del local, es perfectamente comprensible. La gente da asco, son como zombis o robots que no muestran la decencia básica humana en muchas ocasiones. Tratar de tocar para turistas, ególatras y similares es un despropósito. Que se pongan un disco. 

Toca para tí. Elige cómo y dónde. Organízalo y manten tus prioridades claras.



Ahora un inciso no breve sobre los payasos de la escena:

Paradójicamente esto de no tocar a menudo, es lo que hacen muchos grupos que van de "pros". Seleccionan mucho dónde tocan, procuran no mezclarse con otros grupos que consideran inferiores, exhiben en redes una imagen artificial de profesionales. 

Por mi experiencia digo que el 90% largo de éstos son solo snobs que pretenden dar una imagen. Si los sigues el suficiente tiempo, acaban disolviéndose como azucarillos. Aunque te los encuentres tiempo después y por vanidad, sigan diciendo que están trabajando en su siguiente album. 

Porque esa es otra: no saben/quieren leer bien la realidad de la ¿industria musical? Tienen una idea muy cuqui en sus cabecitas y se aferran a ella aunque no haya por donde cogerla. En España no hay escena underground. Es muy pobre, escasa e inconsistente. Un grupo de rock no se puede mantener con el circuito que hay. Coño, si hasta los que están por encima en el escalafón lo tienen complicao. 

Pero estos, vamos a llamarlos uanabis, se contentan con su idea: sacar un album sobreproducido y caro de publicar, arañar un par de reseñas en medios de nicho (casi siempre pagadas de algún modo o por amistad, aparecer en algun programa de youtube o hacerse un video clip, caro, porque esta peña tienen el grupo como "passion project" y no les importa enterrar cantidades de dinero en él. 

Al final, suelen aguantar una media de 5 años. Creyéndose su propia versión de que son "el grupo revelación", "el grupo emergente del momento", etc, etc. No son más que unos hobbistas caros. Ah! todas sus comunicaciones son en inglés aunque sean del Trabuco...no falla. Es como si estuvieran en su propia realidad-fantasía del rocanrol-1969 y de ahí no los sacas.


Pues no seas como ellos. Se como Black Flag, Minor Threat, Sun city girls, La Polla Records, Fugazi, Nofx, Morbo (Perú), Crimen (México), Kortatu y Negu Gorriak (Pais Vasco), Heredeiros da Crus (Galicia), Cafetra records (Portugal), Tinariwen (Malí) y Mdou Moctar (Niger), Ataxia (Grecia-Valencia), Sutek Hexen (Portland), 10000 Mods (Grecia), The Modern Folk (Portland), etc, etc.

Es decir, no seas un consumidor alienado que repite patrones, se un creador libre. Que tu actividad musical no sea un reflejo de las mentiras del capitalismo, se tu propio jefe, dirige tu vida y tu carrera, no esperes a que nadie te "descubra".
Trabaja duro y sobre todo haz música. No vendas humo, toca y haz canciones. No pares y llegarás a algún sitio perita. No seas como esos pamplinas que tocan más el movil que la guitarra. Un album cada 3-4 años? uno-dos conciertos al año? qué mierda es esa? 


- Parte 3, una reflexión más personal, ¿es el rock arte? alguno lo es:

Que alguien ya talludo siga interesado por "estas cosas de niñatos" es algo que muchos pueden entender como vergonzoso. Mejor para ellos.

Lo que me interesa es la expresion, el arte,  el sonido, la creatividad. Me rio del clasismo que entiende que eso solo ocurre en contextos pijo-exclusivos. Que el arte solo lo entienden cuatro enteraos y que solo es lo que ellos digan.

¿Por eso el rock no puede ser arte? De acuerdo en que la mayoria de rockeros no hacen arte. Porque ademas en esta epoca de crisis, tocar "cosas raras" y ser raro en general esta penalizado socialmente.

Pero es imposible no admitir que gente como John Dwyer, Daniel Bachman, Perico de dios, Stephen O'Malley son artistas y que lo que producen va mas alla de la musica pop...

Para mi puede ser tarde y tampoco estoy interesado en darme a conocer. Solo quiero hacer musica buena. Acepto ideas.

martes, 3 de noviembre de 2026

Si no lo haces es porque no quieres

Se muestran resultados de john dwyer tactics to thrive in the music business in crisis

(Vista creada con IA)

John Dwyer, the hyper-prolific leader of the psych-punk band Osees and co-founder of Castle Face Records, has built an absolute blueprint for surviving and thriving in a modern music industry plagued by streaming imbalances, inflation, and live-circuit volatility. Known for his relentless DIY work ethic, Dwyer’s strategy shifts focus away from traditional industry reliance and toward creative autonomy, radical cost reduction, and aggressive community building.
Premier Guitar +3

His core tactics to navigate an industry in crisis break down into several blunt, actionable rules:

1. Radical Cost Reduction & Self-Sufficiency
Bypass venue infrastructure: To avoid inconsistent sound systems or unfair cuts, Dwyer long ago started touring with his own vocal/keyboard PAs and stage monitors. This gives the band total consistency regardless of the room.
Subtractive recording and mixing: Dwyer embraces a raw, high-fidelity-avoidant recording style. He often tracks basic elements to 8-channel analog tape or portable rigs (like the Tascam 388), combining it with minimal digital overdubs to keep production lightning-fast and inexpensive.
DIY tour logistics: His practical tour management advice centers on strict moderation: driving by day, packing their own gear tightly, utilizing budget-friendly grocery stops (like Whole Foods) for health, and taking care of the venue staff so they back you up.
Bandcamp Daily +2


2. Radical Label Transparency & "Own Your Art"
50/50 profit splits: Through Castle Face Records, Dwyer operates on an equal split structure.
Retain 100% of rights: Unlike predatory long-term industry contracts, his model leaves rights and ownership entirely in the hands of the creators. In a modern crisis where streaming streaming models yield tiny fractions of a cent per play, owning your masters allows for flexible licensing and self-monetization.
Louder Than War +2


3. Hyper-Prolific Output Over Single-Cycle Marketing
Release an album every year: Instead of spending two years writing, polishing, and over-marketing a single album, Dwyer works daily and releases music constantly.
Perpetual forward momentum: By keeping the release conveyor belt moving, he bypasses the short attention spans of modern digital culture. He stays busy by running multiple projects concurrently (Osees, Damaged Bug, improvisational jazz/noise records), which helps diversify his creative and financial risk.
YouTube·Sir El Tom +5


4. Tenacity over Aggressive Hype
"If you play, people will see you": Dwyer has frequently emphasized that slow and steady beats the race. It took him nearly 20 years of grinding in the underground before music became a reliable, full-time income.
The "always tour" ethos: When industry algorithms or social media pivots change how music is seen online, live performance remains the ultimate equalizer. His tactic is simply to be so undeniable, loud, and active on the road that a core fanbase is sustained entirely outside of algorithmic trends.


5. Creative Insecurity as a Weapon
Avoid comfort zones: Dwyer leans heavily on improvisation during live shows to keep older material fresh and avoid stagnation. He frequently references the rule: "If you're comfortable, you're doing it wrong." Constantly challenging the band's sonic boundaries (such as pivoting to heavy synths and removing guitars entirely on albums like Sorcs 80) keeps the core community engaged and guessing.

lunes, 2 de noviembre de 2026

Cuando escucho

Albums como el más reciente de John Dwyer (OCS) y giras como las de Acid Mothers Temple me invade la ilusión y el placer. "Cosquillitas en el cerebro". 

La cara b, el reverso tenebroso, es cuando miro la realidad consensuada alrededor y veo cómo millones de personas en España y el mundo nos sacrificamos voluntariamente día a día al culto mortal del capital.

En vez de vivir felices, creando arte, ignorando a esos dementores que te adoctrinan para que entregues la vida. Para que unos pocos psicopatas controlen todo.
No, gracias, váyase. A otro perro con ese hueso. La zanahoria pa otro burro.




Es verdad pero no aquí

Imagina que eres un músico de verdad, un apasionado. Un friki de esos que acumulan albums y que siempre está buscando perlas, alguien que no se contenta con lo superficial. No un chupatintas. No un papi rockero que se viste en Zara con camisetas falsas.

No. Alguien coherente. Un devoto del arte.
En España siempre serás considerado un friki.
La cultura e idiosincracia española, o lo que nos hacen creer que somos, es mierda. Propaganda y basura para arrasar mentes.
¿Dónde se puede hacer arte aún? ¿Dónde hay música auténtica y libre?
Como diria Dick el demasiado: es verdad pero no aquí. 

Quizá en Europa. Holanda. Francia. Alemania. Chequia. Suecia. Incluso Inglaterra.
 
Allī si eres español tienes que trabajar doble o triple. Porque se supone que los hispanos no tocamos rock. Y son taco racistas, para mucha gente allí los del sur somos de segunda. 

De todas formas Europa ha muerto. Asi que sigue imaginando.


domingo, 1 de noviembre de 2026

Nuevo album cuatro pistas

de John Dwyer, probablemente el músico más influyente en lo que va de siglo.
https://johndwyer.bandcamp.com/album/heathen-axe

 Lo que dice:

"I WANTED TO MAKE A TOTALLY FRIED RECORDING, QUICK AND DIRTY.

SORT OF A CATHARTIC EXPULSION.
CLEAN THE COBWEBS
I RECENTLY BOUGHT A VESTAX MR44 (THE BEST SOUNDING 4 TRACK EVER IMHO)
THE SAME 4 TRACK I RECORDED SOME COACHWHIPS. EARLY OCS ETC ON
NOW WE HAD THE TOOLS WE NEEDED
SO I SPENT A WEEK WRITING RIFFS AND BROUGHT THEM TO TOM DOLAS AND JOHN HODGE.
WE RAN THEM ONE TIME AND THEN RECORDED THEM ON THE SECOND GO.
LOOSELY IMPROVISED AND UNHINGED.
EVERYTHING TURNED ALL THE WAY UP

HOPE YOU DIG
PLAY LOUD

FOR FANS OF MAINLINER, HIGH RISE , COMETS ON FIRE , HAIR POLICE"


Pregunta a la IA si no me crees

de la IA de Google:

"The Beatles es considerado de manera casi unánime por historiadores, críticos y músicos como el grupo de rock con mayor influencia cultural de la historia. Su impacto no solo transformó la industria musical, sino que moldeó la moda, la política, la juventud y los movimientos sociales de los años 60 y las décadas posteriores.

¿Por qué su influencia cultural es insuperable?
  • Involución cultural ("Beatlemanía"): Cambiaron la forma en que la juventud se expresaba, vestía y consumía arte.
  • Innovación en el estudio: Popularizaron el uso de técnicas de grabación avanzadas y efectos que definieron el rock psicodélico y de vanguardia.
  • El álbum como obra de arte: Con discos como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, convirtieron el formato LP en una experiencia conceptual completa, en lugar de una simple colección de canciones.
  • Fenómeno global: Rompieron barreras geográficas, abriendo las puertas del mercado estadounidense a la "Invasión Británica".


sábado, 31 de octubre de 2026

A la mierda

 


El tren de Urda, palabras de Turiel

"Por qué. El marido de una de las víctimas hacía una reflexión impecable que han recogido algunos medios (después, según contó, de llorarla durante dos días, y seguramente los que aún le quedan). La culpa de estas muertes evitables, razonaba, es del capitalismo de la prisa, de esa incesante vorágine que agita cuerpos y cosas, ese ir y venir sin parar y sin sentido, con el solo objetivo, ridículo cuando uno lo reflexiona dos segundos, de incrementar los guarismos de una cantidad abstracta a la que llamamos capital. Los amos del capital, los amos del dinero, exigen más y además más deprisa, para al finar romper las vidas de las personas, consumiéndolas lentamente en el sobreesfuerzo continuo que se nos exige y, ay, a veces de manera violenta, como ha sido este caso.

Nos dicen que esta tragedia ha sido el resultado de un fallo humano. Yo digo que no lo es. Es una pésima ingeniería aquella que depende de que nadie cometa un error; pero estoy seguro de que el diseño del sistema no tenía una ingeniería pésima, sino una completamente correcta. El problema no ha sido la ingeniería del sistema, sino cómo se ha usado. Y se ha usado de esa manera cutre y peligrosa simplemente porque el capital lo ha exigido, para maximizar beneficios, para recortar costes. Se han metido más trenes sin aumentar el mantenimiento en la suficiente medida, se ha "externalizado" la gestión de la infraestructura a empresas privadas que, a su vez, buscaban subcontratas más baratas, siempre con el objetivo de maximizar el beneficio y minimizar el gasto. Y, con el beneplácito de los sucesivos responsables políticos que han permitido este atropello, se ha cargado el peso del sistema sobre unos trabajadores con una plantilla menguada pero con una responsabilidad abrumadora. En suma, se ha sometido el sistema ferroviario a un proceso de cutrefacción, como siempre en aras del mayor beneficio del capital. Pero la cutrefacción mata, como hemos comprobado una vez más.

Con tan solo asomarse al abismo insondable de la miseria y cutrez de este sistema económico, con nuestro sentimiento de empatía humana activo, es imposible no sentir una oleada de dolor embriagadora, un dolor de proporciones universales, un dolor inmenso. Por qué este sufrimiento. Para qué este estúpido, maldito, malvado sufrimiento."

entrada entera:

https://crashoil.blogspot.com/2026/10/ese-inmenso-dolor.html

viernes, 30 de octubre de 2026

Cronología (predicción) del colapso

Entrada completa como siempre en el substack Rayo Negro de Quark

https://rayonegro.substack.com/p/el-mayor-crash-de-la-historia-en

"Mucha gente se pregunta por qué en 1929 no vieron venir el crash. Y existe una encuesta donde se pregunta esto precisamente. La respuesta consistente era que si lo vieron … en 1927. Es decir años antes de ocurrir el crash, pero los meses iban pasando y las cotizaciones en lugar de bajar seguían subiendo. El miedo al final se olvidó y tras muchos meses, la aversión al riesgo desapareció, hasta que el crash se presentó de repente.

La historia se repite. Llevamos mucho tiempo hablando de burbujas, pero las cotizaciones no dejan de subir. El miedo ha desaparecido, el riesgo no existe (a cualquiera que hubiera dicho al mercado que el estrecho de Ormuz se iba a cerrar y las cotizaciones seguirían subiendo con el petróleo a 100$, le hubieran tachado de “fantasma” y sin embargo es lo que ha sucedido) y cuando llegue el crash, el mayor crash de la historia, nadie estará preparado …

PD. Gracias a un comentarista (antonio34 o andoni) tenemos una actualización del pronóstico de David Hunter. Más allá de acertar de forma exacta en las cifras previstas, lo importante es el desarrollo de como será el final, con el que coincido plenamente desde hace tiempo. Ya saben las dos grandes ondas.

Primero una caída ya en 2027, después de un explosivo fin de fiesta (que puede seguir tras la resolución (o acuerdo) del problema de Oriente Medio. Después un primer crash (del orden del 70-80%). Recuperación brutal entre 2028-2030, por inyección de hasta 50 billones de dólares en todo el mundo. Luego sigue un periodo inflacionario o hiperinflacionario si se les va de las manos y finalmente, la segunda gran onda, el colapso completo.

Por favor vean el video, sin prejuicios …

Para el que quiera consultar los fundamentos de estos grandes movimientos, este post lo resume todo, desde el punto de vista del sistema financiero."

Archivo pasado presente

Tengo montón de grabaciones subidas a un net-label, básicamente un página de internet que te permite descargar-escuchar música online. 

Hace unos días un usuario me dejó una reseña bien maja de un directo de mi primer grupo allá en los 90. 

Me hizo ilusión por partida doble. Sobre todo recordar aquellos días y ver con perspectiva lo que unos chaveas de pueblo pudimos montar sin apenas recursos.

Además, la posibilidad creativa que vivíamos en aquel momento. El marco tan diferente al de hoy, cuando todo está limitado, prefijado y crear cosas originales está casi mal visto. 

Por supuesto que hacíamos versiones, pero eran menos de la mitad de nuestro repertorio. Y no eran ni canciones ni grupos típicos. De hecho no he vuelto a ver grupos locales que hagan esas versiones. Eramos un grupo "indie" rockero, cuando el término ni siquiera estaba acuñao.

Insisto en la diferencia con los días actuales. El contexto me parece desolador: ni el público ni los músicos valoran la libertad creativa.
Los "músicos" locales que encuentro: gente que no se implica, que lo hace como una actividad ociosa, con casi nula cultura musical (ayer una me dijo que Los Beatles eran peores que los "indies" nacionales de hoy) y que no es capaz de montar bolos, salir a tocar, componer, etc.

Luego querrán música en directo, pero mientras la matan diariamente.


jueves, 29 de octubre de 2026

Los Beatles no son suficientes

Te engañé: esto va de Pasolini y el capitalismo:

"Pier Paolo Pasolini (1922–1975) argued that consumerism had become a powerful instrument of social transformation, changing not only what people purchased but also how they thought, behaved, and understood themselves.

In a 1971 interview with Enzo Biagi, he declared, “Consumerist civilization is the real bourgeois revolution.” For Pasolini, consumer society was creating a new form of conformity by encouraging people across social classes to aspire to the same lifestyles, products, and ideals of success.

Unlike traditional authoritarianism, which attempts to impose obedience through direct political control, consumerism could reshape people from within by making consumption appear synonymous with freedom and happiness.

Pasolini was particularly concerned about the erosion of cultural differences, regional languages, and working-class identities under the pressure of mass consumption.

Television, advertising, fashion, and the production of ever-new desires were helping create a more homogeneous society in which people increasingly measured their lives through the standards of consumer culture.

He provocatively described this process as a new form of fascism—not because consumerism was identical to historical fascism, but because he believed it could penetrate everyday life more deeply, transforming desires and identities rather than simply demanding outward obedience.

His central warning was that people could gain greater material comfort while losing cultural autonomy and the ability to imagine alternatives to the consumer society."

Lo del cambio horario

 robao de Jorge, de El tiempo en Parla (Facebook):

"¿Y si nos quedamos con el horario que nos corresponde?
A raiz de esa pregunta, quizás algun@s os preguntéis... ¿Y cuál es ese horario?
Para explicaros esto último, os muestro dos imágenes muy esclarecedoras, porque ni siquiera en esto hay un consenso absoluto.
Os invito a mirar solo la primera imagen, al menos de momento.
En ella aparece toda Europa dividida en franjas horarias y cada franja está representada por un color.
Las franjas horarias que aparecen son: UTC -1, UTC 0, UTC +1, UTC+2 y UTC+3.
¿Conocéis el meridiano de Greenwich?
Es una línea imaginaria que une el polo norte y el polo sur, y divide el planeta en dos mitades.
El meridiano atraviesa la Península Ibérica y, por donde pasa, el horario que corresponde es el UTC 0.
Para que os hagáis una idea, el horario de invierno en el que estamos ahora es UTC+1 y el horario de verano es UTC+2.
Es decir, siguiendo esta lógica, en el horario de invierno estamos una hora por delante de lo que deberíamos y en el horario de verano estamos incluso dos horas por encima de lo que deberíamos.
Sabiendo que el horario UTC 0 es el que nos corresponde por ubicación geográfica, que el UTC+1 es el horario de invierno y que el UTC+2 es el horario de verano, os voy a dar unos datos que quizás os sorprendan.
En los días más cortos del año, estos serían los horarios de salida y puesta de Sol en Parla con las tres franjas horarias:
- UTC 0: Salida del Sol: 7:34 - Puesta de Sol: 16:48
- UTC+1: Salida del Sol: 8:34 - Puesta de Sol: 17:48
- UTC+2: Salida del Sol: 9:34 - Puesta de Sol: 18:48
Y ahora os muestro los mismos datos, pero para los días más largos del año:
- UTC 0: Salida del Sol: 4:44 - Puesta de Sol: 19:49
- UTC +1: Salida del Sol: 5:44 - Puesta de Sol: 20:49
- UTC +2: Salida del Sol: 6:44 - Puesta de Sol: 21:49
¿QUE OS PARECEN ESTOS DATOS?
Me imagino que, lo que más os habrá llamado la atención, son los horarios de la franja horaria UTC 0, es decir, la que nos correspondería.
En invierno anocheciendo antes de las 5 de la tarde y en verano amaneciendo antes de las 5 de la madrugada .
Sin embargo, hay otra teoría, que es la que aparece en la segunda imagen de esta publicación.
Ahora si, os invito a verla.
En ella aparece Europa, dividida por una línea en diagonal que separa una zona oscura y otra más clara.
Algun@s defienden que, para quedarnos con un horario permanente, hay que tener en cuenta la curvatura de la Tierra.
Debido a esa curvatura, el día y la noche no avanzan en línea recta de este a oeste (de derecha a izquierda), sino que lo hace en diagonal.
Esa diagonal, hace que el momento en el que se hace de noche y de día, sea prácticamente el mismo en Madrid que en Berlín.
Por eso algun@s piensan que en España deberíamos tener el horario que le corresponde a Alemania.
Ese horario es el UTC+2, es decir, quedarnos de forma permanente con el horario de verano.
Como veis, este tema de mantener el cambio de hora o no y, en caso de eliminarlo, que horario dejamos permanente, es bastante más complicado y trascendental de lo que parece.
Porque no se trataría solo de adelantar o atrasar relojes, sino de cambiar todos los hábitos de vida a los que estamos acostumbrados desde hace muchísimos años."



martes, 27 de octubre de 2026

Vamos que nos vamos

 Sacaba lo que sedaba, por Quark:

"Puede ser mañana, o puede ser dentro de unos meses o unos años (no muchos), pero las tendencias nos conducen de forma inexorable hacia ese abismo. Lo que ocurra cuando empecemos a descender nadie lo sabe, porque sin olvidar la enorme complejidad alcanzada, las posibles retroalimentaciones positivas que sin duda se producirán, nos colocan frente a un colapso difícil de entender por el conjunto de la población. La sensación de “nunca pasa nada” es debida a los inmensos esfuerzos de la élite mundial por alargar la meseta catabólica en la que nos encontramos, a costa de inundar de deuda el mundo entero y agotar los ya escasos recursos que nos quedan, sin reducir la producción mundial a costa de lo que sea necesario. Pero puesto que estamos en un planeta finito y la tasa de reposición de los principales elementos ha caído a un paupérrimo 10-15%, estamos hablando de un final en años, no en décadas."
de
https://rayonegro.substack.com/p/al-borde-del-abismo

domingo, 11 de octubre de 2026

Compra

La mierda de otros

En ualapop 

Mierda que ya era

Zarama cuando

Salio de fabrica


Compra y contempla

En vez de vivir

Acumula cancer

Muere

sin rechistar


Compra y calla

Caga y traga

Plasticos endocrinos

Matasanos matan


Bienvenido a la distopia

Es mas facil imaginar

El fin del mundo

Que el del capital

sábado, 10 de octubre de 2026

La soledad de la obra pura

Tres, dos, un solo friki en un sótano puede crear una obra de arte conmovedora sin atender a ninguna razón de gustos, comercio, intelectual, o lo que sea.

El mundo probablemente no se enterará, quitando otros frikis que buscan casi obsesivamente esas perlas puras creativas. Así ha sido al menos durante toda la época pop y me resulta fascinante.


miércoles, 7 de octubre de 2026

Lo splendore geometrico e meccanico e la sensibilità numerica

 Francisco López lo cuenta muy bien en el documental: había una parte de creadores que no tenían la necesidad freudiana de ser famosos. Grupos como Esplendor no se quemaron ni hacia fuera ni hacia dentro, probablemente porque no les hacían caso ni les hacía falta. Partían de una diabólica necesidad de crear, automática, casi irracional… No tuvieron una relación con la sociedad mediática de su tiempo y lo que hacían era moderno en todo momento. No sé si se adelantaron, pero marcaban el paso, y sin muchos coyotes alrededor. Pertenecían a lo que Karín Ohlensláger llamaba «los subterráneos creativos» que fueron introduciendo y formalizando mucho de lo que ahora funciona culturalmente.

PC. Por poner un símil literario… Esplendor Geométrico serían a la oficialidad cultural de los 80 lo que fue Rimbaud a la oficialidad poética del París de su juventud, todos aquellos simbolistas que le recibieron con los brazos abiertos sólo para que él se carcajease en su cara. Esplendor Geométrico son el disparo en la muñeca de la movida, como lo fue el de Rimbaud en la muñeca de Verlaine. Yo no viví aquella movida. Viví los estertores, y ahí ya se veía de qué había servido toda aquella supuesta modernidad en que unos cuantos disfrutaban de su ración de absenta cómodamente apoltronados en los sofás de salones exclusivos, como los simbolistas parisinos, o sea. Para moderno, Rimbaud, que aun traficando armas en Abisinia era más moderno que todos los poetas oficiales.
de
https://elasombrario.publico.es/el-terrorismo-musical-de-esplendor-geometrico-se-hace-imagen/

Vean:;

https://ok.ru/video/9354583935656

https://ok.ru/video/8151400974977

faha chis tas







lunes, 5 de octubre de 2026

Se viene

segun el Substack de Quark, El rayo negro:

https://rayonegro.substack.com/p/aparentemente-hemos-llegado-al-final

"Una mañana, las órdenes de venta de acciones, bonos, materias primas, derivados o lo que sea, amanecerán con una venta desproporcionada. Tras varios intentos de apertura, los mercados se cerrarán en espera de un ajuste que no llegará. El colapso habrá llegado de forma inesperada, cuando todos los inversores pretendan vender sus posesiones al precio que sea, por un pánico fortuito e imparable.

Sí, es posible que antes veamos varios episodios de formulación similar, pero resueltos de forma inapelable por los BC, dando la impresión de un sistema resistente. Pero mientras tanto, la confianza en el sistema se irá minando y cuando llegue el momento, esa desconfianza se extenderá sistemáticamente, provocando una catarata de ventas inigualable.
Los BC tratarán de emitir cantidades ingentes de dinero, pero el volumen de ventas será esta vez demasiado grande y por fin, tras varios intentos, el sistema colapsará.

 Lo que venga después es simplemente una cadena de retroalimentaciones , que hará inviable el muro de contención y todo el sistema al completo se derrumbará en pocos días.

No será mañana, pero el momento está cerca y además es completamente irreversible si no se hace inmediatamente lo que digo en la primera sección. Como no es posible, la tendencia natural es avanzar sin pausa hacia ese momento Minsky, que acabará con la civilización actual.
En el ínterin, los mercados financieros solo son una herramienta. Ya hemos ido demasiado lejos para volver a una ortodoxia financiera, por lo que poco importa lo que suceda a partir de ahora. Nadie va a intentar reconducir la deuda, y como mucho, cuando sea necesario, se preparará un reseteo con una gran crisis , pero siempre manteniendo firme el objetivo. El dinero se puede crear de la nada en este o en otro sistema (eso piensan), pero los recursos son finitos.

Como podemos ver, las máscaras han caído y solo importa el rearme, la guerra y la consecución de objetivos por la fuerza. Ni derechos internacionales, ni reglas éticas, ni medidas medioambientales, ni concesiones a los vencidos, solo el uso de la fuerza en aras a una supervivencia forzada. Naturalmente , “la otra parte” no se va a rendir, con lo que hemos entrado en una lucha a muerte…

 El ingenio humano y la extraordinaria capacidad demostrada a lo largo de la humanidad nos hecho excesivamente confiados. Pero un sistema complejo como este, cuando presenta tantas grietas como las que ya podemos apreciar a simple vista, no tiene solución y su destrucción es fulminante, como la rotura de un dique de contención de un pantano. Lo que estamos haciendo (desde 2008) es detectar una grieta, proceder a repararla y seguir como si el pantano fuese indestructible.

Pero ahora tenemos cien pequeñas grietas y tres o cuatro grandes grietas. Los ingenieros de la presa ya debería haber advertido a los habitantes situados en el curso de las aguas, sobre la inminencia de la explosión. Nunca se sabe a ciencia cierta cuando ocurrirá, pero el desastre ya es inevitable, aunque tapemos alguna grieta más."

sábado, 3 de octubre de 2026

Confianza

del Rayo Negro, enlace al final:

"Sí, hemos entrado en la fase final, con el peligro de convivir con la mayor burbuja de la historia. Puesto que la deuda no se va a reducir , el peligro siempre estará latente y falta por ver, como reaccionan los mercados a la nueva compra por parte de los BC.

Si la desconfianza sigue creciendo a pesar de estas compras, el peligro de la desintegración del sistema financiero es evidente, puesto que una hiperinflación venidera sería realmente peligrosa, si la desconfianza se extiende por los mercados. Si el valor del dinero tiende a cero, en un momento de pánico todos los gestores quieren vender al mismo tiempo y cuando eso sucede, el sistema colapsa. No en un país, sino en todo el sistema mundial. Esta vez el peligro es sistémico.

En realidad, el final es lógico. Las deudas no pueden crecer indefinidamente, muchas veces por encima de los ratios de crecimiento. Estamos creando dinero sin valor intrínseco para financiar gigantescos programas que permiten tapar todos los agujeros. En un sistema ya muy endeudado, mantener el estado del bienestar occidental es muy caro, pero si además queremos (al mismo tiempo) financiar la transición energética, la IA y sus centros de datos, la expansión energética necesaria para acompasar estos cambios, el rearme mundial y las guerras en curso, topamos con la realidad. La expansión monetaria no puede justificar todo y sin embargo pensamos que si lo hará sin problemas.

La realidad pondrá el sistema en su sitio, con el peligro de una destrucción, cuando todo el mundo empiece a ser consciente que el valor intrínseco del dinero de papel es exactamente cero. Podemos imaginar que ocurriría si esta percepción comienza a extenderse por los mercados. Recuerden “¿cómo fue el colapso? … al principio muy lento, pero luego, todo vino de repente.”

https://rayonegro.substack.com/p/la-desintegracion-del-sistema-financiero

lunes, 28 de septiembre de 2026

Rundgren o como se ponga sobre las divas

robao de Vice:

"Speaking with Vulture, Todd Rundgren admitted that Meat Loaf’s 1977 album Bat Out Of Hell, which he produced, was a satire of Bruce Springsteen. Well, more like a joke directed right at Bruce Springsteen. When asked if there was a modern artist he would do this for in 2026, Rundgren had his answer at the ready.

“Taylor Swift, of course,” he said. “There’s an argument to be made that she ruined music. It’s an understandable phenomenon. It’s just that, to me, Taylor Swift is the apotheosis of mediocrity.”
There are many places where Todd Rundgren would find no argument with those statements.

But Rundgren didn’t stop at his Swift criticisms. According to the rock icon, “It’s the era of the female artists.” Mr. Rundgren, what does that even mean, we ask? Apparently, we have video games to blame for this modern age of women in music.

“The biggest artists in the world are female artists at this point, and that’s because of video games,” said Rundgren. “Back in the ’90s, boys stopped spending money on music and started spending it on video games, and that left the music market with, ‘Well, where do we go here?’”

By Rundgren’s reasoning, the music industry gave birth to the Female Pop Star at that point. And we have to admit, there might be a bit of truth to that. On the surface, this sounds like an absurd comment to make. But just think about how the music industry operates for longer than five minutes, and the wave of female pop stars in the 90s starts to look a little suspicious.

“And [the music industry] said, ‘Well, there’s all these young girls, and they’ve got their allowances, too. Why don’t we start making music for young girls instead of Pearl Jam or something like that?’” Rundgren continued.

Of course, he had to bring another female pop star into the conversation for comparison, as people so often love to do. For Rundgren, he chose to mention Lady Gaga, noting that “She’s a classically trained piano player.”

As for Taylor Swift, he said, “She’s not a great singer, she’s not a great songwriter, she’s not a great dancer. She’s a role model for what was a very young generation of women, and now for those women’s daughters as well, because it’s mothers and daughters going to Taylor Swift shows.”

Despite the possibility that Todd Rundgren is going to get himself crucified online by rabid Swifties for his comments, there’s no denying that he might be onto something.
Aren’t people constantly going on about nepo babies, industry plants, and psyops when it comes to music? Why not turn that energy toward figuring out why the music industry still has as much power as it does? Then we can talk.

Graeber y Debord

Guy Debord:
In The Society of the Spectacle (1967), Guy Debord argues that modern capitalism increasingly transforms lived experience into images, commodities, and representations. The spectacle is not simply television, advertising, or mass media; it is a social relationship between people mediated by images, through which individuals become spectators of a reality increasingly organized for them.
Debord describes a movement from being → having → appearing, in which social identity becomes increasingly tied to possessions, visibility, and representation. The spectacle also produces separation: people may consume the same images and commodities while becoming increasingly isolated from genuine collective experience. In advanced capitalism, consumption, entertainment, tourism, and media create a world of pseudo-needs and passive participation, where the more people contemplate the spectacle, the less directly they experience their own lives. For Debord, overcoming the spectacle therefore requires not merely criticizing images, but reclaiming direct, active, collective participation in everyday life.

David Graeber:

miércoles, 16 de septiembre de 2026

It,s only rocanrol Cheetah Chrome

https://youtu.be/Fok35LvyBFI

It feels good when it stops, la historia de Cheetah Chrome y la de todos en verdad:

"Cheetah Chrome, the lead guitarist for the Dead Boys who died Sept. 13 at age 71, lived in Nashville for several years.
He'd come in 1996 at the suggestion of Joe McGrath, who'd played with him in a post-Dead Boys band called the Broken Angels. “I knew next to nothing about the place," Chrome wrote later in his 2010 memoir “A Dead Boy's Tale” (Voyageur Press), "other than we'd driven through on the way to somewhere else years before and it didn't look like much." He'd planned to stay two weeks to record demos.
He ended up staying.

Around the same time, Nashville's own Tommy Womack wrote a song called "Whatever Happened to Cheetah Chrome?" — a song about the Dead Boys that ended up on Womack's 1998 solo debut “Positively Na Na.” After learning that Chrome was in town, Womack got to play the song for him at a soundcheck.

By late 1997, Chrome had moved into a rented house at 228 Haywood Lane in southeast Nashville. Among other things he'd been dealing with: a lawsuit settlement against the Limelight in New York. By the time he paid his lawyer and repaid the City of New York for his hospitalization and surgery after being assaulted by one of the club’s bouncers, he had just enough left to get dental implants.

In early 1999, a Detroit promoter called and asked what it would take to get Chrome to do a show at a club called Lili's in Hamtramck. Chrome named what he described as "ridiculous figures and demands." The promoter said yes.
 
They recorded the May 15, 1999, show for a possible live record, but a mic on Chrome's guitar amp got knocked over mid-set, forcing him to fly back to Detroit and overdub his guitar parts. To preserve the feel, he got drunk and played straight through the bass, drum, and rhythm guitar tracks, leaving in the mistakes. "Even I didn't know which parts were recorded live or overdubbed," he wrote. “Alive in Detroit” came out on DUI Records in 2000 — his first full-length solo release.

The gigs kept coming, but not well. A trip to Atlanta late in the summer of 2000, Chrome wrote, was bad enough that "the only good thing about it was that nobody was killed or injured." Then his drummer and guitarist left — pregnant wives, responsibilities.
Chrome compared rock and roll to "hitting yourself in the head with a hammer — it feels good when you stop." Though he still played some, he took a full-time job at a tile company. He lived at the house on Haywood Lane until 2001."

martes, 15 de septiembre de 2026

No podemos volver atras - El rayo negro

 Nueva entrada de Quark en substack:

"Con frecuencia se plantea un frenazo en seco, un “dejar de utilizar los fósiles y volver a la vieja usanza de trabajos a mano”, un retorno al pasado en los métodos agrícolas y una recuperación de la industria casi manual (sin carbón, sin petróleo, sin gas), como ejercicio de reencuentro con la naturaleza, y un adecuado “saneamiento” de la atmósfera.

El problema es que esa vuelta a los orígenes es incompatible con la sociedad actual, tanto en calidad como en cantidad. Y nadie quiere asumir el hundimiento económico-tecnológico asociado y mucho menos, la disminución de la esperanza de vida, el descenso brutal de la población, la caída de la productividad y la pobreza asociada generalizada que los fósiles consiguieron casi erradicar (a costa de otros perjuicios, claro)."


Toda la entrada:

https://rayonegro.substack.com/p/no-podemos-volver-atras

martes, 8 de septiembre de 2026

Ia IA de puta es una putada...pero...

También hace estos resúmenes tan apañaos: (el párrafo conclusión da calor de hogar)

The culture of assembling "Partscasters" in the 1970s and 1980s was a massive, rebellious DIY revolution that fundamentally reshaped the electric guitar industry. Driven by corporate budget-cutting from major brands, a sudden obsession with high-performance "hot-rodding," and the rise of a new breed of guitar heroes, building your own guitar from mismatched parts transformed from a fringe hobby into mainstream rock-and-roll mythology. [1, 2]
Here is how the golden era of the Partscaster came to define two decades of guitar history.

1. The Catalyst: CBS-Era Fender and Discontent
Leo Fender’s ultimate stroke of genius was creating the Stratocaster and Telecaster as modular systems—he envisioned them as machines with easily swappable, bolt-on parts. However, players didn't fully exploit this until the mid-1970s. [1, 2]
After Fender was bought by corporate giant CBS in 1965, the 1970s saw a widely perceived dip in quality control. Guitars became heavy, coated in thick polyurethane finishes, and plagued by loose neck pockets due to the infamous "three-bolt" neck design. [1, 2]
  • The Response: Guitarists began buying cheap, beat-up 1950s and 60s Fenders or modern factory rejects, stripping them down, and combining the best pieces.
  • Famous Example: Eric Clapton’s "Blackie" and Stevie Ray Vaughan’s "Number One" were both famous Partscasters assembled by pulling together necks, bodies, and electronics from multiple vintage instruments. [1, 2]
2. The Rise of the Aftermarket (The "Hot Rod" Boom)
By the late 70s, guitarists didn't just want to swap old Fender parts; they wanted to upgrade them. Inspired by Southern California's car customizer culture, a network of pioneering builders popped up to sell specialized, heavy-duty parts to the public. [1, 2]
Suddenly, guitar players could browse catalogs or the back pages of Guitar Player magazine to order highly customized parts. A few key players anchored this movement: [1]
  • Mighty Mite (founded by Randy Zacuto): Famous for providing raw bodies, necks, and a massive array of heavy brass hardware (bridges, nuts, and knobs) which was believed to maximize sustain. [1, 2, 3]
  • Boogie Bodies (Lynn Ellsworth & Jim Warmoth): Specialized in creating exotic wood bodies and high-quality necks. This group later evolved into the aftermarket giant Warmoth Guitar Products. [1, 2, 3]
  • Wayne Charvel’s Repair Shop: Based in San Dimas, California, Wayne Charvel became the go-to guy for modifying guitars, painting custom hot-rod graphics, and assembling high-performance parts for the local Sunset Strip scene. [1, 2]
3. The "Frankenstrat" Paradigm Shift (1978)
No single event supercharged Partscaster culture more than the arrival of Eddie Van Halen in 1978. Seeking the playability and tremolo system of a Fender Stratocaster but the fat, high-output sound of a Gibson Les Paul humbucker, Eddie realized no major company made what he needed. [1, 2, 3, 4]
He went to Wayne Charvel's shop and bought a factory-second ash body from Boogie Bodies for $50 and a maple neck for $80. Working in his parent's garage, he chiseled out the wood, installed a single Gibson PAF humbucker, wired it crudely with a single volume knob, and spray-painted it with bicycle paint. [1, 2, 3]
The Frankenstrat proved to a generation of kids that you didn't need an expensive, corporate-approved showroom instrument to change the music world. If a schmuck in his garage could build the greatest rock guitar on earth, so could they. [1, 2, 3]
4. The 1980s: The Evolution into the "Superstrat"
As the 1980s progressed, Partscaster culture birthed an entirely new genre of commercial guitars: the Superstrat. [1, 2]
The garage-built Partscaster of the late '70s usually featured:
  • A bare or radically painted Strat body.
  • A flatter-radius, un-lacquered maple neck for fast shredding.
  • A single, high-output humbucker in the bridge position.
  • A locking tremolo system (like the newly invented Floyd Rose or Kahler) to keep the guitar in tune during massive dive-bombs. [1, 2, 3, 4, 5]
Seeing how much money was being made in aftermarket parts assembly, shops like Charvel (under Grover Jackson) and Kramer stopped just selling parts and began selling factory-assembled Superstrats. By the mid-80s, major companies like Ibanez and even Fender themselves (with their Contemporary series) were forced to mimic the garage-built Partscaster aesthetic to stay relevant. [1, 2, 3]
Summary of the Culture

Ultimately, the 70s and 80s Partscaster culture was about empowerment and identity. It democratized the instrument, shifting the power away from massive corporate factories and putting it directly into the hands of the players, tinkerers, and weirdos working under the glow of a soldering iron late at night. [1, 2] 

Scotti Hill de Skid Row con su guitarra chamuscada
porque no le gustaba el acabao, hecha de partes Warmoth